ね式（世界の読み方）

“芸術の秋”；絵画の秋

しばらくブログ書きを休んでしまったわけですが、いやなに、忙しかったわけではなく、ただ単に書くことがなかったのであります。

相変わらず続く書類合戦の合間に、滞っていた読書生活を再開。オバマ米大統領選出を機会に、トクヴィルの「アメリカのデモクラシー」日本語版を、今度は拾い読みではなく最初から通して読んでみることにしました。

今年の秋は美術展も、映画新作も、なんだかこちらの気をググっと引っ張るものがなくて、わざわざ出かけていく気にならないんです。グラン・パレでやってる《パブロ・ピカソと師匠》展も、ピカソフリークでないアタクシにとっては『豚真珠』、イマイチ食指が動かない。ピカソが大物であるのは認めるけどさ、なんだか飽きた。晩年のエッチングは凄いけど、いつかピカソ美術館で『これでもか』ってほどのミノタウロス・シリーズを拝観してるんでおなかいっぱいであります。

ルーブルでやってるアンドレア・マンテーニャ展もパスするつもり。例外的作家、たとえばジオットやダ・ヴィンチやティティアーノは（個人的）別枠なんだけど、基本的にいうとイタリア絵画は地元で見たほうがいいと思う。まあイタリアに行きたしと思えども、イタリアは遠しなのだが（つか高い）。

反面、ヴァン・ダイク展のほうは行くつもり。もう24年も前の話になるけど初めてアントワーペンに行った時、それまで苦手だったルーベンスの絵が（体感として）理解できたし、同時にヴァン・ダイクのポートレートの透明性が印象深かった記憶がある（でもルーベンスが前面配置で、どうしてもヴァン・アイクは上のほうに展示してあってよく見えなかったのね）。

フランドル絵画は時代的にもうちっと前のヴァン・アイクやヴァン・デル・ウェイデンやボッシュ（ボス）の熱狂的ファンなんだけど、ベルギー・フランス・イタリアと旅行していって、“ルネッサンス”の時代に人とモノと技術や思想が大陸内を（そして大陸も越えて）移動していたんだってのが、建築や絵画を見てるだけでなんとなく分かってきた。

ヴェニスとフィレンツェでティティアーノとティントレットにほれ込み、パリで再びティティアーノの“近代性”に気づき、これまたパリのメランコリー展でデューラーの重さを再確認し、旅行先のブルージュでたまたまぶつかったデューラー銅版画展で息を飲んだ。

デューラーにしても、ヴァン・ダイクにしても、イタリア旅行・滞在を期に作風を変えている。たとえばヴェニスのティティアーノ大作を前にして、ヴァン・ダイクが受けた感動を想像するだけで、こっちの心臓までドキドキしちゃうわけです。

24年の時間を経てやっと、アントワーペンでアタクシをひきつけたヴァン・ダイクの魅力が、実はイタリア後期ルネッサンスの“自由な光と空気の軽さ”とフランドル絵画の“北の貴重な光がもたらす明晰性”とのミックスチャーだったんだ、と気づいたわけです。これって生きてる価値だよな、と思う。

これからは逆に、フランドル絵画のイタリア絵画への影響具合を見て回って、あとはベラスケスとゴヤへの挨拶もかねてスペイン行って、グラナダ見て、それからもいちどヴェニスに戻ってイスラム文化（建築・絵画・庭園・モザイク）と大陸中世文化のつながりについて勝手に想像を張り巡らしてみたいよなあ。。。。ああ何たる贅沢、、、でも無理か、、とため息吐息。

下はル・モンド紙のヴァン・ダイク展記事です。

Van Dyck, et l'éclat des visages
LE MONDE | 01.11.08

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写真展：カルティエ-ブレッソン、ウォーカー・エヴァンス、アメリカを撮る

先週、金融問題で頭が疲れて（アタクシの頭がフル回転しても解決するわけじゃないつーのに）急にネットで読んだこの写真展に関する文章が引っかかって、時間が空いた午後遅くモンパルマスまで直行したのだった。

これはH・C・B、すなわちエンリ・カルチエ－ブレッソン・財団での写真展で、米国写真家エヴァンス（1903年生まれ）が恐慌後の荒廃したアメリカ南部を撮ったシリーズと、ほぼ同じ年代にほぼ同じ場所でフランス人であるカルチエ・ブレッソン（1908年生まれ）が撮ったシリーズの、合計全部で86作品を展示している。

あらかじめ読んだ批評が書いているとおりなんだが、カルティエ－ブレッソンとエヴァンスの写真に対する、あるいは「現実」に対する、これは考え方というかコンセプトというべきか、あるいは創作の哲学といってもいいかもしれないが、まあ姿勢だな、これがまったく違うのだった。

どこがどうなって私たちがそう感じるのかというメカニズムは難しすぎてアタクシには分からんのだが、それにしてもまったく違う。一枚一枚の写真の中にある「時間」の流れかたが違う。うん、うん、そう。こうやって印象を字に変えて書いてみるとなんとなく分かってくる。批評で批評家が言おうとしていたことも、なんとなく分かってくる。

ヒントのひとつは、パリのソルボンヌで文学を学んだエヴァンスは当初作家になりたがってたんだが、文学を捨て写真を選ぶ。米国では、ルポルタージュ作成のためにトルーマン・カーポーティと組んで旅行もした（残念ながらこの企画は失敗に終わる）カルティエ－ブレッソンは、絵画から写真に入っている、ということ。

つまり、写真という瞬間と物語性の関係なんだと思う。エヴァンスは一枚の写真の中に永遠の時間、つまり連続性としての時を写しだす。カルティエ－ブレッソンは、一枚の絵画/写真のうらに物語を閉じ込める。

カルティエ・ブレッソンの写真の美しさは、印象的な、計算された均衡のなかにfigé して（つまり固まって）いる。

対して、エヴァンスの写真の「現実」は、カオスと偶然と、ときには唖然とするような不在を抱えている。一枚の写真は決して完結せず（彼の構図枠自体がそうだったり、家や通りや壁や柱が、ゆがんだり傾いたりしている）、見る人間をその写真の外に放り出す。でも写真の外とはなんなんだろう。

ここでアタクシは、昔読んだ江戸川乱歩の短編を思い出す。覗きからくりに魅入られた男の話だったはずだ。ああ、また出だしに戻ってしまった：リアルとリアリティ、ウソとホント。ウソも1000回唱えればホントになるし、きれいが汚いで、汚いがきれい。。。なんか混乱してきたのでここでおしまい。お後がよろしいようで（テンテン）。
*
参考
同写真展についてのル・モンド紹介記事：Dialogue posthume entre Walker Evans et Cartier-Bresson
Lunette Rouge によるブログから：Evans et Cartier-Bresson
Michel Poivert による2写真家の比較（ムズイ）：Cartier-Bresson / Walker Evans : confession d'un impatient

グーグルで探すウォーカー・エヴァンスの作品群

ジュー・ド・ポウム；リチャード・アヴェドン写真展

正確には、Richard Avedon photographies 1946-2004

タイトルにあるように、２００４年に死去したニューヨークのポートレート写真家リチャード・アヴェドンの回顧展である。ああ、この展覧会はアタリである。いや大アタリ、と言うべきか。

写真のチョイスも、１階と２階に繰り広げられる写真の並べ方も、文句なく納得。というか超有名な作家だしアヴェドン・ファウンデイションのサイトですでに見ていた作品もあるんだけれど、それにしても、会場始めのファッション写真をざっと見て、ベケットのポートレートにぶつかったあたりから、目くるめくアヴェドンの不思議に巻き込まれる。

たぶんこれは“ヒューマニズム”と言って間違いにはならないだろう写真の撮り方＝被写体（人間）との関係の作り方なんだろうけど、（アヴェドンと、カメラを間にして、向こう側にいる人間とのふたつの）まなざしの、しかしそこには対決とかぶつかりあいではない何かがあって、、まあコミュニケーションだな、、言い換えると、ふたつのまなざし（ヒューマン）が“幸福な形で”結晶して一枚の写真になるというアヴェドンのダイナミズムに、写真を見ている“私”が引きずり込まれる。

眼は人間のまなこ、なりである（単に、いつもの悪い冗談です；スミマセン）。

もちろん、１階の著名人ポートレート群には、今頭に浮かんでくるだけでも、ジャコメッティやルネッサンス絵画のようなビートルズの4人、そのまんまのジャニス・ジョプリン、泣きたくなるようなマリリン・モンロー、悲運のバスター・キートンや、3枚ならんだストラヴィンスキーのまなざしの動きや、アメリカを去るおどけたチャリー・チャップリンだとかあって、思い出しながらもため息がでる。

フランシス・ベーコンの、不安な2枚の写真がみせるまなざし：彼は現実世界を見ていない。内部世界に見入っているんだ。

雪のニュー・ヨークの街角を歩くオーデン。癌に侵された父親、ジャコブ・イスラエル・アヴェドンの最後の日々を、じっと撮影し続けるアヴェドンの連作。

圧巻はアンディ・ウォーホールのファクトリー・メンバーを撮った（複数の写真を並べて、わざとずれをつくって編集している）横長の大きな写真。横には狙撃事件の傷跡を見せる（顔は写していない）ウォーホールのボディ・ポートレートもある。

アヴェドンの言葉が英語と仏語でそこここにレイアウトしてある階段を上って２階に行くと、ファミリーと名づけられた米国著名人たち（政治家、アーティスト）のポートレートがあり、続いて圧倒的 In the American West という、トラックの横腹にに白い背景紙を貼り付け屋外で撮影されたという無名の人々のポートレート（ウェイトレス、農夫、ホームレス、養蜂者、ダイナマイト輸送ダンプカー運転手、蛇を切り裂く少年、移動遊園地に働く若者、油田労働者、、、；ガラス張りではないので光が反射しないかわり、これより立ち入り禁止のラインが床に示してある）シリーズがある。

最後近くに、暗くした部屋に白い作品の裏側から光彩した、鉱山労働者たちを写したシリーズが展示してある。それぞれの男の名前がタイトルに記されているが、泥とホコリにまみれ、ある意味アイデンティティを失った彼らの存在感そして連帯が、ドーンとこちらに伝わってくる。

ああ、書き忘れたけど、子供のような動きの晩年マルグリット・デュラスのポートレートも、女優キャサリン・ヘップバーンのショットも驚き。そしてたとえば、著名政治家と元奴隷の老人と、あるいは貴族とホームレスが、おなじ眼の表現、あるいはおなじアリュール（様相）をしめしていたりする。

*

最後に写真展パンフから、アヴェドンの引用です。

A portrait is not a likeness. The moment an emotion or fact is transformed into a photograph it is no longer a fact but an opinion. There is no such thing as inaccuracy in a photograph. All photographs are accurate. None of them is the truth.

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この写真展は9月27日まで、火曜日は昼12時から夜の9時までオープンしてるし、9月の22から27日までは毎日夜9時までOKだそうである。日本での原爆投下作戦に参加したパイロット、Claude Eatherly の悲痛なポートレートは見逃したし、映画“ファニー・フェイス”上映もあるから、もう一度行ってみるつもり。

なお、入場料は7ユーロ（割引で4ユーロ）。私が行った木曜の午後は、会場入り口あたりは若干人が多かったけど、もう少し進むと人が多すぎるというわけでもなかった。

（まあ、各人の銀行口座残額というリアリティにもよるんだが、地理的/距離的に可能だったら）見るべしの写真展であります。

ポンピドゥー；Traces du sacré 展

これは７月の始めに行って来た、ポンピドゥー・センターの美術展。

Traces du sacré、なんて訳したらいいのかなあ。“聖の跡”かなあ。サクレが大文字で始まってるわけでもないし、複数でもない。跡のトラス（英語のトレース）のほうは複数になってる。

なんとなく曖昧である。半日かけて、いつものように解説とかは読まずにとばして、出品されてる作品が多すぎるし、気になる作品だけ見たんだが、やはりなんだか曖昧な企画である。

グラン・パレでのメランコリー展のように、中心になる“思想”がないからなんだろう。コンセプトじゃないもんね、聖あるいは信仰ってのはさ、たぶん。神さま、つーても、信じる人の（あるいは信じない人の）数だけ、ヴァリエーションがあるだろうし、そこいらへんをもっと“選択/トリアージュ”してたら、全体的曖昧さは避けえたんじゃないかと思う。

どうも、カタログにはそこらへんの突込みが書かれてるらしいが、１２ユーロの入場料払って、その上カタログ（49.90ユーロ）買うほどの余裕はない。

展示作品には大物が揃っている。いくつかのテーマに分けてそれぞれ作品が選ばれ並べてあるわけなんだけど、イマイチ意味が分からない。ゴヤに始まって、ハエのたかった黒い厚塗り大作があって、、、。原爆で水晶体をやられたおかっぱ髪の少女の顔写真があって、インパクトの強い美しい作品なんだけれど、どこがtrace du sacré なんだか、ちっとも分からない。

ムンクの描いたニーチェとか、ダリとかキリコとかエルンストとか並んでて、マンレイのオシリの写真は“祈り”なんですか？　ピカソのミノタウロスの横のアンドレ・マッソンポルノ系はたぶん、バタイユ的“聖”なのであろう。

ニュー・ウェーヴ系まで揃ってる。ネオン・チューブとかさ。大体、センター一階のどまんなかに仏教のまわす教具（名前知りません；廻すとお経となえた御利益があるというやつ）の巨大版がでーんと廻っていて、でもなんだか付属器具が飛んできそうで怖いので笑ってしまったのだった。

個人的には、長く気になっていたフランシス・ベーコンの絵がふたつ見られたし、アンリ・ミショーのメスカリン影響下のデッサン本物初めて見た。ギンズバーグ自身による詩朗読も聞いた。

展覧会最後の方ではヨゼフ・ボイスの造ったふたつのプリミティヴな十字架とか（別室でコヨーテのヴィデオもあり）、不思議な、激しい嵐の山の映像と音響との暗い空間にSaint Jean de la Croix　が幽閉されてた小屋のレプリカがあって、小屋に近寄ると彼の詩の朗読が聞こえる、という設置（Bill Viola）は、ただただ美しい。ロツコもあったな。ポロックの製作中ヴィデオもまた見られた。

結局、散漫さと作品の多さで疲れて、ついでに見たかった別展、“覗く独身者” Miroslav Tichý 写真展は諦めた（ポンピドゥー・センター；前のように個別の展覧会を小額で見られるシステムではなく、センター入場ごとに均一１２ユーロ払わなあかんのね。これは辛いですよ）。

暇なとき、ネット・サイトの解説とかヴィデオとかもうちょっと見て勉強しなおそうかと、思っております。なお、当美術展は８月１１日までなり。

まあ、神秘主義系だったら、イタリアはアッシジの、聖フランソワが祈った洞窟のほうが御利益あるだろう。

たぶんこの展示には“自然”が足りないのだ、と今にして、思った。

Wiliam Klein by William klein - Contacts

ウィリアム・クラインがウィリアム・クラインの“仕事”が、どうやって一枚のフォトグラフィになるのかをフランス語で語っています。ニューヨーク・パリ・東京・モスクワ、今はない過去の空気が切り取られているわけです。

Contacts - William Klein
envoyé par Alek_Danri

クリップ；Femme éternelle（dans l'imaginaire des hommes）

Women In Art

Vinci, Raphael, Titien, Botticelli, Giovanni Antonio Boltraffio, Dürer, Lucas Cranach Elder, Antonello da Messina, Pietro Perugino, Hans Memling, Le Greco, Hans Holbein, Fyodor Stepanovich Rokotov, Rubens, Gobert, Caspar Netscher, Pierre Mignard, Jean-Marc Nattier, Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun, Sir Joshua Reynolds, Franz Xaver Winterhalter, Alexei Vasilievich Tyranov, Vladimir Lukich Borovikovsky, Alexey Gavrilovich Venetsianov, Antoine-Jean Gros, Orest Adamovich Kiprensky, Amalie, Corot, Manet, Flatour, Jean Auguste Dominique Ingres, William Clark Wontner, William-Adolphe Bouguereau, Comerre, Leighton, Blaas, Renoir, Millias, Duveneck, Cassat, Weir, Zorn, Alphonse Mucha, Gauguin, Matisse, Picabia, Klimt, Hawkins, Magritte, Dali, Malevich, Merrild, Modigliani, Picasso.

ん？女性作家の作品も入ってるかも。自信なし。

ティツィアーノ展 - パリ・リュクソンブール美術館

いい加減日々の重みとたまった書類管理に耐えかねて、丸１日遊んでしまいました。映画→ウィンドウショッピング→美術館とよく歩いた。風があって、陽がさしたり曇ったりのパリは、上着を脱いだタンクトップ姿のお嬢さんとダウンジャケットやオーバーを着こんだ人々がすれ違うあの感じです。

遅い昼食後たどりついた公園横のリュクセンブール美術館は平日だと言うのに意外に人が多くてまずびっくり。たしかにメトロ駅にも大きな広告が貼ってあったし、ことによったらＴＶニュースとかフィガロ週末版かなんかで報道したんだろうな。あんまり美術館にこなさそうなお年寄りも多い。あるいはまだ始まって６日目だからか。

９月１３日に始まったこの展覧会、来年１月２１日までなんで（入場料10ユーロ）、もっと後に行くべきだった気もします。

さて、展覧会のタイトルは　Titien, le pouvoir en face “ティツィアーノ、権力を前に”となるか。全部で約６０肖像（いくつかの甲冑含む）が展示されており、そのうち御大の作品は４０弱か。作品の数は多すぎず、案外ちゃんと見た。

ベニスやフィレンツェですでに見ている作品もかなりあったけど、こうやって同作者の肖像画だけが並んでると、作者の傾向とか精神的・歴史的バックグラウンドが浮き上がってくる。

聖書や神話を元に書かれた作品は大きいし、物語性のほうについつい気を奪われる。（キリスト教・仏教寺院でもそうだけれど）ベニスのパレ（宮殿）では、建物全体の雰囲気とそこに昔からかけられている絵画群の調和とかの重さがあって、こういう比較的見方はなかなか出来ない。

絵描きとしての才が抜きん出ているのはもちろんだけれど、タイトルにもあるように、当時イタリアの共和国主たち、ローマ教皇、スペイン・フランスの王達そして宮中の知識人・女性達の“権力”、すなわち力・知識・魅力を極めて独特なやり方でキャンバス上に描き上げている。

そこにあるのは、なんだろう、一人の人間の瞬間をフリーズさせるやり方と、言葉を使わずにその人物の中身を見せてしまう作法とでもいうか。当時の肖像は、たとえば今の新聞やＴＶみたいに使われたんだろうし、もちろん彼は宮廷お抱え作家であるわけで、カール皇帝（シャルル・カン）などの大人物の影響力を高めるために、美化や理想化があって当然なんだけれど、それにしても、である。

鎌倉彫刻の僧侶の傑作像に遠くはない。絵画なのに厚みがある。フランドルの絵のようには衣服や細部にこだわっていない。あそこまで冷徹でもない。個々の人間の個性を、生きたまま抜き出して、純粋化させてフリーズしてる。いやこれでもまだ足りない。もしかしたら、ドゥールーズの言う devenir みたいなことを瞬間化してるのかもしれない。物語の瞬間化、物語が生成する瞬間を捉えること。あるいは現代性。

そして、名のない絵描きや音楽家、友人を描いた肖像の“真実”。絵画と言う“真実”。

ああ、わからない。

これは見てよかったなあ、と思った作品のひとつが、エルミタージュから来ていた若い女性像。タイトルは、羽つき帽子の若い娘。解説によるとティツィアーノの愛人だったモデルがモデルのようである。これはアタクシの勘違いかもしれないが、この女性の肖像だけが、こちらを（つまり画家を）しっかり見据えているんだよね。

あとひとつ考えたのは、ティッツィアーノ(1488-1576)がマキャヴェリ(1469-1527)を描いたらどうなってたんだろう、ということ。微妙な地域差と政権時間差があったのよね、残念ながら。

ブロンリ美術館展覧会について、クリップ

この美術館、あるいは博物館（仏語では明確な区別がないので微妙ですが）の性格が、アートなんだか民俗学なんだか、あるいは他のものなんだかというのは、こちらでもいろいろ異なった意見があるし、展示の仕方自体にも批判が多いようです。

歴史的、あるいは思想的知識の欠如をいいことに、なんでも見てやろうな無責任“覗きや”であるアタクシは、すべては“アート”であるという （同時にいわゆる現代アートはアートでなくて単なる資本主義システム提示であるという） テキトウな姿勢で、ヴァチカンのサン・ピエトロ聖堂や奈良法隆寺を見せていただいている。（実際の仏殿では、いったん拝んでから鑑賞させていただいてます、一応仏教徒。）

と、話はまた横に逸れた。

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本題はあのブロンリ美術館の特設展についてであります。

西洋人の鏡（複数）

Les miroirs de l'homme occidental
LE MONDE | 18.09.06

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"D'un regard l'Autre, une histoire des regards européens sur l'Afrique, l'Amérique et l'Océanie"　つまり　“他者への視線、アフリカ・アメリカ、そしてオセアニーに向けられたヨーロッパの視線（複数）の歴史”　というタイトルの特設展覧会についてレヴューしている。

あとで記事内容一部を追記紹介する意向でありますが、前回は駆け足で回ったブロンリにはもう一度行くつもりなので、特設展について後日別エントリします。

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ひとまず泳ぎに行ってきます。

ブロンリ美術館

新設ブロンリ河岸美術館（Musée du quai Branly）に行ってきました。

今日は予定があったのに、すっぽかされフット・オーバードーズにもちょっと疲れてきた。美術館に行くことにする。小雨の降るパリの午後を場所がわからずセーヌ岸を行ったりきたり渡ったり。結局着いたら午後４時を過ぎてたんだけど、まだ工事中の中庭での列も１０分並んで切符が買えた（8.5ユーロ、１８歳まで・ハンディキャップ有人・失業者無 料）。金曜の入場は午後６時半までだから、今日は駆け足で常展全体をざっと見てみることにする。

６月２３日に初めて一般公開されたばかりのパリ７区のこの美術館には、以前 Musée de l'Homme とアフリカ・オセアニア国立博物館に展示されていた物品をベースにした約3500点のオブジェが展示されている。もとは海外貿易省があったエッフェル塔近い広大な敷地に、アラブ世界博物館をデザインした仏アーキテクトJean Nouvel/ジョン・ヌーベルが設計。最近流行の壁庭園を含む（まだ植え終わってないけど）パトリック・ブロンが構想したコンセプチャルな庭を有している。

建物に入るとまず螺旋状の坂になっていて、あれっグーゲンハイム？とか思うがさにあらず。ここは枠組みをのぞけばすべて有機的構造になっていて、この坂は蛇行してるんですね。足元や壁に風景や文字が投影され、いろいろな音が聞こえてくる。これは『旅へのいざない』です。

そうやって、螺旋中央の薄暗闇に並べられた太鼓等を見ながら展覧室に入るんだが、ここは面白い。従来の“博物館”すなわち過去をなんらかの“理由”にしたがって陳列してはいないのだよ。つまり“百科辞典型”発想を“放棄”している。またサイズも不ぞろいな透明ショーケースや映像ブース、小さすぎる解説用プレートを別とすれば四角という形をも放棄している。

特別展などは二階（といっても大した階差があるわけではない）だが、あとは迷路のように入り組んだ内部を（アフリカ・オセアニア・アジア・アメリカという分け目はあるにしろ）人は知らないうちに大陸間を行き来することになる。照明が暗いという印象はあるし、絶対全部を把握したい人は欲求不満に陥るだろう。

しかし、しかしだよ。これはなんと呼ぶべきか。コンセプトなんだが。。。世界観なんだが。。。

まずやってくるのは、ludique/遊びの、étonnant/驚くべき、そしてveritigineux/眼が回る感覚だ。カタログを見てもこの感覚は得られない。ここに来な きゃいけない。なぜなら、たとえばそこここに仕組まれた音と映像がある。たとえばおなじみアフリカン・マスクの横には小型ＴＶがあってマスク彫り男がしゃべりながらマスクを彫っている。祭礼衣装コーナーでは祭礼歌が聞こえている。また、小型ＴＶそばの壁には座れるボコボコがしつらえてあって好きなだけ座って見ることができるわけだ。

写真に見える建物外装のコンテナーみたいな四角が大中小のブースになっていて、たとえばオセアニア・パプーの祭りとか、アマゾンに降る雨とかの映像が四つの壁に映し出され音声ももちろん聞こえてくる。そこには椅子はひとつもなくて壁にもたれるか床に座るんだ。そうして人はその祭りの参加者になるってわけだな。

面白かったのは、せいぜい2人しか入れない洞みたいなやたら暗いブースがあって、横から覗いたら画面に映ってるのはマラブー（魔術師）なんだよ。コインを投げたり、豆をかき混ぜたりしながら言ってることが、画面に訳されて、画面下ではなく画面真ん中にぽんぽんと出てくる。予言者のことばなんだから、真ん中に出す価値があるんだね。

ところどころに、縦型引き出しがあって黒くやたら重い引き出しを引っ張るとアラ不思議、装飾品や織物とかが見られる仕組みになっている。

説明書きはほとんど読まずに、たとえばブティックで好きな服を探すときみたいに右から左、左から右、陳列ケースの横をすり抜け、坂をあがり坂を下がり、たったひとりのかくれんぼに２時間近くかけた。

ここのコンセプトとは、オブジェと見る者の間の距離を縮めようとする“試み”なのだろう。

マスク・衣装・装飾品・楽器・船の装飾物・埋葬用人形・人物彫刻、あとなにがあったか、とにかく美しいし、楽しいし、驚く。

けれどだんだん寂しくなってくるわけだ。メランコリーというか、すでにノスタルジーというか。。。もちろん埋葬に関するオブジェが多いこともこの寂しさの原因のひとつではあるだろう。古いものもあるけど、これらの“アート”の多くが作られたのはそんな昔じゃないのに、過去の“アート”として美術館に飾らなきゃならないってことなんだ、哀しくなるのは。プラスチック製のワールド・ワイドな我らの最先端“文化”は、１００円ショップのように便利だけど１００円ショップのように貧しいんだ。

あとはね、アニミズム祈祷系物品が多いから、その重さってのもあると思う。

早足で通り抜けた作品群のなかで今回眼を引かれたのは、イヌイットの寝袋：アザラシの毛皮を小さな足まで残してそのまま袋状にしたもの、多くの釘を打ち込まれたアンゴラの人物と犬の木像、同じくアフリカ木像だが赤ん坊に乳をやる母親像の表現力、オセアニアのボート彫刻の力強さ、そしてこれは展示全体についていえるのだが人物を表す時の誇張とリアリズムとユーモアの共存。

美術館ウェブ・サイトもまだ工事中のようで作品の写真は見られません。なお、この美術館の構想はパリ市長時代のジャック・シラクと美術商の友人間の話が元らしい。ゆくゆくはポンピドゥー美術館・ミッテラン図書館ばりにシラク美術館と名を変える可能性も大きい。（そうなる前に行っておく方がいいかもしれない。）なお、メトロ、アルマ・マルソー駅で降りてセーヌ沿いに右手に歩き、Passage Debilly という歩行者用の橋を渡って行くのがお勧めであります。

アジア美術を集め、別館には欧州唯一の茶室も備えた美術館の逸品、ミュゼ・ギメのあるイエナもそばだから、まる１日かけてこのふたつの美術館を探索するというのはかなり渋いパリでの時間の過ごし方です。

“パリのアメリカ人” -- ウィリアム・クライン展

年末のすき焼きオフのながれで、なにやらアートなこの頃。今日はshibaさんと一緒にポンピドゥーセンターのWilliam Klein展に行ってきました。ひとりだとボーっとしてるうちに最終日は過ぎていた、、という情けない場合が多いし、特に日が短い冬は出るのが余計おっくう。その点誰かと誘い合わせてっのは、無精者には良き“テク”であります。

さて、写真展はこれまであまり興味がなかったんですが、クラインは日本での友人に（米国に行ったまま音信不通の）カメラ男がおって、写真集を見せられた記憶がある。あと、ついついタブロー（絵画）の方に焦点が行きがちなんだが、パリでは写真展も多いんでこれも門前の小僧、自然に眼は肥えますね。クラインは写真ばかりではなく、絵・映像にも手を出すマルチタイプな人。その作品の全体像が掴めそう、、ということで行ってみる気になりました。

今回のエクスポの詳しい内容はshibaさんが書いてるんで、ここでは私の印象を勝手に並べてみましょうか。。。

ドアノーやカルティエ・ブレッソンの撮る写真、もちろんすばらしいですが、クラインのとはどこか違います。ドアノーもカルティエ・ブレッソンも、言ってみれば“絵画”的。アングルや瞬間が、直感によるものか計算によるものなのかは分かりませんが極めて洗練されています。これは同時に、スタティック/静止してるとも言えるわけだ。オブジェと写真家の間には距離がある。その点、クラインはもう一歩オブジェたる人間に近づく。群衆の中に入り込み、同じ高さで写真を撮ってると感じる。異形の者としての人間を撮り続けるんだが、、そしてこの異形の者達にはファッション・モデルや有名人も入るね、、、自分（クライン）自身もその異形の者のひとりであるんだと彼は考えてるんですね、きっと。ここから来るんだろう、被写体と写真家の間に一種の“correspondance/ 照応”を作り出している。共犯関係に近いかもしれない。フェリーニにも近い。（実際、クラインはローマでフェリーニの仕事を手伝うはずだったけれども実現しなかったようです。）そして、ドアノーやカンティエ・ブレッソンにはない“動き”がある。ダイナミズムと言えるか。それはクラインの撮る社会自体の持つダイナミズムでもあるな。

“Anything goes”、これはクラインの言葉ですが、まさにクラインは自由に時代を撮り続けます。ベトナム戦争に反対するニューヨーク学生デモの写真が不思議なほど “今”なのでびっくりする。同時に過去の作品をペイントした“コンタクツ・ペイント”は最近製作されたものですが、クラインは７７歳の今でも（そして愛妻 Jeanneの亡くなった今も）変わっていないんですね。

６０年前後にニューヨーク、東京、モスクワ、ローマで撮った写真があります。もちろんパリで、学生運動や、ファッション写真を始めいろいろな写真を撮っている。けれどどこにいようと、誰を被写体にしようとクラインの眼差しは不変です。

徴兵でクラインがヨーロッパにやってきた偶然をわれわれは喜ばねばならない。パリに来て、そしてフランス娘に恋をしなかったら、クラインは写真家にはならなかったように思います。パリにいたからこそ、クラインはアルジェリアに、モスクワにさらには東京まで行く。 ニューヨークを写真に撮る。会場で放映されていた白黒ヴィデオで、アルジェリアやモーリタニアの民族衣装の青年達が街なかをデモンストレーションするってのがあります。そこから突然６８年のパリの街頭デモ映像に移る。あくまで自然に。。。パヴェ/敷石を掘り出し、バリケードを造る、車の燃えカスが横たわる。。。クラインはいつでも群集の中側にいる。

今回の展示準備にクライン自身かなり関わったようです。赤・黒・黄色と、壁にカーブを使った展覧形式もクラインっぽくってよかった。人も多過ぎずゆったり見られました。

せっかくパリにいるんだから、もっと“アート”しちゃおうと思うこの頃です。